jueves 23 de noviembre de 2017 - Edición Nº768
ExtraData » ENTREVISTAS » 23 oct 2017

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Richie Hawtin en el planeta techno

Richie Hawtin puede llevar sus sets de DJ a escenarios cada vez más grandes, aunque nunca se aleja del underground con el objetivo de acercar su audiencia a los primeros días de rave con nuevas formas de interpretar, embeber y dar poder a las personas creativas.


Por: Bianca Giulione // @biancagiulione - highsnobiety.com

Durante la última media década más o menos, innumerables periodistas han afirmado que los DJs son las nuevas estrellas del rock. A pesar de viajar por el mundo como un DJ on demand y, a menudo tocando en festivales masivos con miles de personas que lo ven actuar, Richie Hawtin estaría respetuosamente en desacuerdo.

Refutando la imagen que muchas personas tienen de los DJ contemporáneos, "un torso flotante que bombea su puño", como lo describe, la carrera de Hawtin ha estado marcada por el deseo de mantenerse fiel a sus raíces subterráneas mientras innova la práctica de pinchar y constantemente reexaminar la naturaleza de la actuación en vivo.

Mientras crecía en Windsor, Ontario, Hawtin cruzaba con frecuencia la frontera entre Canadá y los Estados Unidos en Detroit para asistir a raves en sus primeros días formativos. Se inspiró en los primeros pioneros del techno Derrick May y Kevin Saunderson, así como en Kraftwerk y Tangerine Dream, la primera música electrónica alemana que le presentó su padre. Poco después de experimentar las frecuencias de esta música del futuro, comenzó a mezclar discos con dos tornamesas y un mezclador en el sótano de sus padres. Cada vez más viajó al sur en Detroit para realizar sus propios set.

Con un amor infantil por las computadoras y el descubrimiento de las cajas de ritmos, como las TR-909 y 303 de Roland, Hawtin encontró un hogar intergaláctico en el planeta techno. Lanzó su primer disco a principios de los 90 y pronto ganó reconocimiento internacional por su interpretación única de la música de baile hipnótica. Hawtin formó la segunda ola del techno, pionero de su subgénero mínimo con récords en las etiquetas Plus 8 y M-nus que fundó con John Acquaviva.

En algunos círculos es más conocido bajo el apodo de Plastikman produciendo un techno que pasó de ácido a ambiental, siempre con resonancias hipnóticas con efectos visuales que acompañarían sus actuaciones en vivo. Posiblemente uno de los primeros artistas electrónicos en considerar la naturaleza totalmente inmersiva de una actuación, Hawtin toma inspiración de sus días rave agradablemente desorientadores para eliminar la distancia entre él, sus máquinas y los bailarines para crear experiencias inolvidables. Su último esfuerzo es CLOSE, destacando el arte de pinchar a través de la espontaneidad y la sincronicidad.

Sentado en el balcón de su estudio, donde las linternas de papel cuelgan del techo y una serie de recipientes de bebidas japonesas se alinean en las paredes de la cocina, Richie Hawtin habla sobre su educación tecno; las frecuencias que ha explorado en moda, tecnología y música; las oscilaciones eléctricas de beber sake; y dónde espera aventurarse luego.

 

-¿Recuerdas cómo te sentiste la primera vez que fuiste a una rave?

-Mis primeras experiencias estuvieron ligadas a cuánto amo la música y amo bailar; no fui a entretenerme visualmente, no fui a ver al DJ. Más tarde, iría a la cabina para observar un poco de su técnica. Estaba en la pista de baile y solo quería perderme en mi propia mente, rodeado de frecuencias, hipnotizado con los ojos cerrados. Me encanta perderme en el tipo de música electrónica que toco, donde no hay una narración vocal obvia. Narración de historias a través de frecuencias y altibajos y construcción de tensión: eso es lo que quiero transmitir a la gente. Si hago bien mi trabajo, la gente debería quedar tan atrapada en las imágenes que ya ni siquiera saben lo que están mirando. Quiero que las personas se pierdan, se encuentren a sí mismas y habiten su propio lugar especial.

 

-¿Cuándo comenzaste a pensar en el aspecto visual de tus actuaciones?

-Probablemente a fines de los '90, cuando me mudaba fuera del típico club de 500 personas a festivales y eventos más grandes. La gente está allí mirándote, y te guste o no, hay un espectáculo en marcha. Con una serie de espectáculos a finales de la década de 2000 llamada Contact y, por supuesto, con Plastikman Live, estaba explorando cómo podía trabajar más de cerca con los diseñadores de iluminación. Mi amigo Ali Demirel, en particular, me ayudó a visualizar el tipo de frecuencias que estaba haciendo con mi música, yendo más allá de la típica luz estroboscópica intermitente, el porno multicolor y el orgasmo visual.

Cuando piensas en raves tempranas, todo era hipnótico, solo una habitación oscura con una luz estroboscópica. Había muy poca información visual; fue sobre todo una experiencia sónica con un par de cosas que realmente jodieron con tu cerebro y te permitieron perderte en la música. Entonces, ¿cómo lleva eso al siguiente nivel y todavía encuentra la manera de hacerlo todavía hipnótico? Cada componente debe tener su propio valor. Pero la suma debería ser algo que tenga sentido completo.

 

-¿Hubo una fuerza específica que te inspiró a crear esta nueva experiencia CLOSE?

-La idea original surgió hace cuatro o cinco años. Encuentro que toda la experiencia de DJ puede ser bastante poco inspiradora, especialmente porque se adapta a un público más amplio. Tienes grandes pantallas LED y un torso que desaparece en todos estos efectos visuales destellantes. No importa cuán buena sea la programación visual y la iluminación, la estética del DJ y la estética del festival se mezclan.

Puede ser una gran experiencia, pero nunca es estéticamente agradable para mí. Raramente está sincronizado o compuesto. Por todos estos motivos, quería crear un espectáculo que estuviera bellamente diseñado y que destacara la forma humana y la interacción entre las máquinas; para que la gente se acerque un poco a la creatividad de un DJ moderno.

Siempre he pensado en pinchar como una forma de arte, podría elevarse a una forma extrema de creatividad y espontaneidad. CERRAR es mi intento de que las personas entiendan mejor lo que la forma de arte puede ser: a través de las cámaras, quitando la mesa y dejando que la gente vea mi formulario y cómo estoy interactuando con mis máquinas, incluso si alguien está en la parte de atrás de un campo con 10,000 personas.

 

 

-¿Cuál fue la primera pieza de equipo que usaste para hacer música?

-Pasé cerca de dos años en el sótano de la casa de mis padres con este mezclador Numark, un plato giratorio Technics y otro tocadiscos que pertenecía a mi padre, y no se podía cambiar la velocidad. Constantemente intentaba encontrar la manera de mezclar y combinar ritmos con una configuración no tan perfecta. El mezclador tenía un ecualizador de cinco bandas similar a los utilizados por los DJs que vería en ese momento en Detroit. Con esa pieza de equipo, podrías cambiar drásticamente los registros que estabas reproduciendo creando realmente el sonido. Realmente inspiró el estilo con el que toco este día. Los discos que me encantaron a fines de los '80 fueron los discos techno de Detroit. Derrick May, Kevin Saunderson, todos tenían esta cierta percusión futurista y metálica.

Recuerdo estar en la casa de mi socio John Acquaviva en Londres, Ontario, y él tenía una caja de ritmos Roland TR-909. Ya estaba jugando con la música, pero nada sonaba bien. Cuando encendí la máquina, se abrió una nueva paleta de frecuencias y sonidos sónicos que usaban los tipos de Detroit. Inmediatamente, me dije: "Está bien, esta máquina es parte de mi dirección".

 

-La tecnología obviamente ha tenido un gran impacto en la forma en que hacés música y DJ. ¿Cuándo comenzó a introducir computadoras en su configuración? ¿Cómo impactó eso en la forma en que actuaste?

-Durante los años 80, mis mejores amigos fueron los juegos de computadora y las computadoras. Me encantaba programar, decirle a la computadora lo que quería que hiciera, ya fuera hacer un juego, mostrar algo en la pantalla o hablar con la gente a través de módems. Antes de la música, la computadora fue realmente lo que me inspiró a profundizar en mí mismo. Aunque en aquel entonces no había una computadora en la cabina de DJ, la música seguía siendo muy mecánica, electrónica e informatizada; era música que estaba impregnada de tecnología en su corazón.

Debido a mi fascinación anterior, cuando las computadoras comenzaron a entrar en la cabina de DJ a finales de los 90 con cosas como Final Scratch, salté sobre él de inmediato. Siempre me he sentido tan conectado con la tecnología, siempre me ha permitido hacer cosas que nunca creí posibles. Mi instrumento es una colección de cajas y perillas y ese instrumento cambia todo el tiempo. Y esa exploración de "¿A dónde voy a ir ahora? ¿Qué se lanzará después? ¿Que debería hacer? ¿Qué está bien o mal? "Ese es el corazón de todo esto para mí. Ese es el desafío, esa es la diversión.

 

-¿Cómo ha cambiado tu DJ desde que desarrollaste el mezclador MODELO 1?

-Durante la última década estaba jugando en cierto estilo con equipos similares con un mezclador similar. Me senté con el diseñador Andy Jones, y pensamos: "Si vamos a poner toda nuestra energía en crear un nuevo mezclador de DJ, ¿hacemos algo mejor que el resto en términos de un mejor sonido? ¿O hacemos algo completamente diferente? "Elegimos lo último. Al agregar un diseño diferente de filtros y ecualizadores, el mezclador te obliga a jugar de manera diferente. No es realmente mejor o peor que cualquier otro mezclador o cualquier otra forma de jugar pero es una alternativa.

Mi dicho favorito es: "A la mierda, lo resolveremos más tarde". Hagámoslo ". Eso es lo que hago con muchos de mis proyectos. Me encanta explorar e involucrarme en cosas que me empujan a una esquina y me obligan a reevaluar lo que estoy haciendo y lo que soy.

 

 

-Ya que has estado en el juego de la música electrónica por un tiempo, ¿cómo ha cambiado la cultura que lo rodea? 

La música electrónica siempre fue muy bricolaje y una comunidad de nicho virtualmente desconocida para el resto del mundo. Ahora con EDM, la comunidad secreta se ha desvanecido, por lo que hay más desafíos para mantener nuestro anonimato, control y estética DIY.

Mi ex socio de la etiqueta John y yo tenemos una firma de inversión ahora, donde hemos invitado a casi un centenar de diferentes DJ para juntar su dinero y reinvertir en compañías y tecnologías que empoderan a las personas creativas. En cierto modo, está tan alejado de donde estábamos hace 25 años como una pequeña compañía discográfica. Eso le muestra el tamaño y la complejidad de la escena, cómo se ha convertido realmente en una industria. Ningún DJ o músico electrónico, salvo Kraftwerk y un par de otros, han alcanzado esta edad. Muchos de nosotros no sabemos realmente a dónde va, o cómo se supone que debemos actuar. ¿Cuánto dura la carrera de un DJ? ¿A dónde vamos desde aquí? ¿Deberíamos estar desacelerando a medida que estamos llegando a los 50 o 60 años y no estar en el stand de un club para niños de 20 años, o es parte de la magia?

 

-Cuéntanos un poco acerca de tu pasión por el Sake. ¿Recuerdas la primera vez que lo probaste?

-Hablo mucho sobre frecuencias, como las frecuencias que resuenan conmigo cuando estoy jugando. Creo que todos estamos vibrando de forma ligeramente diferente, pero cuando nos juntamos, ya sea con música, con seres queridos o en un grupo de personas, todos comenzamos a oscilar con la misma frecuencia cuando las cosas tienen sentido. Cuando fui a Japón por primera vez en 1994, no tenía sentido para mí, era alucinante. Se sentía como el futuro.

Venía de hacer música con estos instrumentos japoneses, así que fue como ir al nacimiento de la electrónica y la tecnología y el techno. Solo quería tomar todo lo posible. Cuando salía al club y bebía sake real, puro y japonés, era increíble lo que sucedía con la gente de la mesa. Todos comenzaron a sincronizarse. La sensación, el ambiente y la conversación me recordaron que estaba en la pista de baile o tocaba en el escenario. Fue muy hipnótico, muy embriagador. Incluso la música que estaba haciendo en ese momento era probablemente aún más embriagadora. Era Plastikman, era ácido, estábamos lanzando fiestas nocturnas y experimentando con muchas cosas para intentar abrir nuestras mentes.

Estar en Japón rodeado de tecnología, beber sake y obtener este zumbido embriagador y borroso, comenzó a sincronizarse con la música que estaba tocando, y simplemente tenía sentido. Luego, en 2008, conocí a un amigo de un amigo que estaba preparando sake, quien me sugirió que tomara un curso de sommelier de sake. Después de estudiar y sumergirme más profundamente en el mundo del sake, tuve la idea de hacer un sello discográfico basado en la bebida.

En lugar de tener artistas que lanzaran música, me pregunté si podría encontrar cerveceros en Japón para lanzar sake de manera similar, y comenzar a poner todo lo que había aprendido con mis sellos discográficos Minus y Plus 8 y viajar juntos para una nueva aventura. Esa es la aventura en la que todavía estoy: Enter Sake.

 

-¿Cómo influye la moda en tu música?

-Al principio me inspiré en Mute Records de Londres con bandas como Depeche Mode y Erasure que tenían una estética visual muy fuerte. Eso era algo que quería aportar a lo que estaba haciendo. Primero surgió el diseño de los registros y más tarde el diseño de escenarios y visuales. En cierto punto, empecé a darme cuenta de que había más poder para presentarme estéticamente en su conjunto, de modo que la gente entendiera lo que estaba tratando de representar.

Hubo un cambio para mí a mediados de la década de 2000, una respuesta a la búsqueda de diseñadores que tuvieran la estética que estaba buscando, como Raf Simons y Rick Owens. Siempre estuve en negro y un aspecto más minimalista, pero la moda también tiene que ser funcional para mí. De todos modos, soy larguirucho y un poco robótico alienígena, así que eso es lo que quiero que la gente vea: un niño en las máquinas y la fisicalidad de ir y venir entre ellos y estas frecuencias que surgen. A menudo doy un paso atrás y pienso en cómo todos tomamos el mundo a través de nuestros diferentes sentidos. La gente me está escuchando en el escenario, me está escuchando hablar, están viendo fotos mías. ¿Cómo puedo representar mejor a quien soy?

 

-¿Hay algún esfuerzo creativo que aún no hayas explorado que te gustaría?

-Me encanta darles a las personas una experiencia que nunca antes tuvieron. Comenzó con la música, y me he basado en ella para ofrecer a las personas una vista de 360 grados completamente inmersiva en la que ni siquiera pueden escapar si lo desean. Admiro a personas como Anish Kapoor, con quien colaboré, así como a Tadao Ando, Raf o Rick, que crean entornos en los que uno entra y todo tiene sentido y se siente como una realidad completa.

Tener la oportunidad en el futuro de trabajar con un arquitecto y diseñar un espacio específicamente para música, trabajando con un diseñador para asegurarme de que todo lo que forma parte de la experiencia tenga una cierta apariencia, ir más allá de CLose y mi anterior Plastikman Live muestra y entrar en tres dimensiones, para profundizar en los espacios, sería un próximo paso inspirador para mí. 

 

Esta historia apareció originalmente en Highsnobiety Magazine Issue 15, que está disponible ahora online store, así como en tiendas de todo el mundo. 

RICHIE HAWTIN • MANDARINE PARK // 2 de diciembre de 2017 // Evento: https://www.facebook.com/events/454952854840953/

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